الرسام المتمرد الذي بشر بعصر جديد من الفن الهندي

يصبح بعض الفنانين أساطير في حياتهم، لكنهم يظلون لغزًا بعد سنوات من وفاتهم.

كان الرسام الهندي فاسوديو سانتو غايتوندي، الذي ولد قبل 100 عام في 2 نوفمبر 1924، أحد هؤلاء الفنانين.

يعتبر جايتوند أحد أعظم الرسامين التجريديين في جنوب آسيا، وكان جزءًا من جيل متمرد من الفنانين الذين وضعوا الأساس لعصر جديد من الفن الهندي في منتصف القرن العشرين.

لقد استلهم بشدة من التقنيات التي استخدمها الرسامون الغربيون، لكن أعماله ظلت متجذرة في الفلسفة الآسيوية، حيث غرس الضوء والملمس بطرق، كما يقول المعجبون، تثير إحساسًا عميقًا بالهدوء.

كان المقصود من لوحاته أن تكون “تأملات في النور والكون”، كما يقول ياميني ميهتا، الذي عمل كرئيس دولي لفنون جنوب آسيا في دار سوثبي للمزادات.

“إن اللعب بالضوء والظلال والملمس يجعل هذه اللوحات ديناميكية.”

في مهنة امتدت لعقود من الزمن، لم يسعى جايتوند أبدًا إلى الشهرة أو الثروة. لكن أعماله لا تزال تجذب الاهتمام في المزادات بعد سنوات من وفاته في عام 2001.

في عام 2022، حققت لوحة زيتية بدون عنوان رسمها 420 مليون روبية (حوالي 5 ملايين دولار؛ 3.9 مليون جنيه إسترليني). تسجيل رقم قياسي جديد للفن الهندي في ذلك الوقت. ذكّرت ظلال العمل المزرقة المشاهدين بمساحات كبيرة من البحر أو السماء.

عاش جايتوند منعزلاً معظم حياته. لقد تأثر بشدة بفلسفة الزن اليابانية وكثيرًا ما انعكست هذه العقلية التأملية في لوحاته.

“كل شيء يبدأ من الصمت. صمت القماش. صمت سكين الرسم. “يبدأ الرسام بامتصاص كل هذا الصمت… كيانك بأكمله يعمل مع الفرشاة، وسكين الرسم، والقماش لامتصاص هذا الصمت والإبداع”، هذا ما قاله للصحفي بريتيش ناندي في مقابلة نادرة عام 1991.

في الأصل من ولاية جوا الغربية، عاشت عائلة جايتوند في مدينة مومباي (بومباي سابقًا) في مسكن صغير مكون من ثلاث غرف في مجمع سكني ميسور التكلفة للطبقة العاملة في المدينة.

كان فنانًا بالفطرة، وانضم إلى مدرسة جيه جيه للفنون الشهيرة في مومباي للتدريب في عام 1946. وعلى الرغم من رفض والده – حيث لم يكن الفن يُنظر إليه على أنه مهنة قابلة للحياة في الهند في ذلك الوقت – قام جايتوند بتمويل دراساته الخاصة وحصل على دبلوم في عام 1948.

لبعض الوقت، كان جزءًا من مجموعة من الفنانين الهنود المؤثرين تسمى مجموعة الفنانين التقدميين، والتي تم إنشاؤها لتشجيع أشكال الفن الجديدة. تأسست المجموعة عام 1947 في مومباي، وتضم فنانين بارزين مثل فرانسيس سوزا، وإس إتش رضا، وإم إف حسين، وبهانو أثايا – أول هندي يفوز بجائزة الأوسكار – كأعضاء فيها.

عمل جايتوند أيضًا في معهد بولابهاي ديساي التذكاري بالمدينة، وهو مركز آخر يتردد عليه الأساطير مثل عازف السيتار رافي شانكار والفنان المسرحي إبراهيم القاضي.

يقول الفنان والكاتب ساتيش نايك، الذي نشر مختارات عن جايتوند باللغة الماراثية: “كان هذا وقتًا مثيرًا للاهتمام، حيث كانت مومباي معقلًا للإبداع”.

كان الفن الهندي في ذلك الوقت يهيمن عليه إلى حد كبير الواقعية، التي وجدت في الجداريات في كهوف أجانتا وفي الفن المغولي أو اللوحات المصغرة.

“بدأ جايتوند بأعمال واقعية ولكنه سرعان ما سعى إلى مسار مختلف. وقال نايك: “لقد كان من أوائل الذين رفضوا الشكل واعتمدوا ما لا شكل له”.

“وبهذا المعنى، كان متمردا. أراد أن يرسم كما يحلو له، وليس كما يمليه عليه أحد”.

ساعده اهتمام جايتوند العميق بالروحانية على التقدم نحو مهنته.

كتب ذات مرة في استبيان عام 1963 لمتحف الفن الحديث في نيويورك: “لوحاتي ليست سوى انعكاس للطبيعة”.

في عام 1963، رأى موريس جريفز، وهو رسام تجريدي مشهور من الولايات المتحدة، أعمال جايتوند خلال رحلة إلى الهند، وقد أعجب به بشدة.

هو على الفور أرسلت رسالة إلى دان وماريان جونسون من معرض ويلارد في نيويورك، واصفين إياه بأنه “أحد أفضل” الرسامين الذين رآهم على الإطلاق.

وكتب جريفز: “إنه جيد – أو رائع – مثل مارك روثكو في أفضل حالاته، وسيكون رسامًا معروفًا عالميًا في أحد هذه الأيام”.

“إنه رسام تجريدي لديه شيء جميل ونظيف بشكل لا يوصف. إنها أجمل المناظر الطبيعية للعقل بالإضافة إلى الضوء.

في عام 1964، انتقل جايتوند إلى نيويورك بعد حصوله على زمالة روكفلر. كان العامان التاليان بمثابة مرحلة تكوينية في حياته المهنية حيث حصل الفنان الشاب على فرصة للقاء فنانين أمريكيين معاصرين ورؤية أعمالهم، مما أدى إلى تطوير أسلوبه.

في عام 1971، حصل جايتوند على جائزة بادما شري، وهي رابع أعلى جائزة مدنية في الهند، لمساهمته البارزة في الفن.

لكن على الرغم من شهرته المتزايدة، فقد أصبح منعزلاً بشكل متزايد في السنوات التالية.

يروي تلميذه والفنان الشهير لاكسمان شريشثا في كتاب نايك كيف كان إم إف حسين كثيرًا ما يحاول زيارة جايتوند في مقر إقامته في دلهي.

“إذا لم يرغب غايتوند في مقابلة أي شخص، فلن يفتح الباب، ولا حتى لحسين الذي كان يرسم شيئًا ما على الباب ويذهب. كانت تلك طريقة حسين في قوله: «لقد مررت».

حتى عمله خضع للتحول. عادة، يرسم الفنان ما بين ستة إلى سبعة لوحات قماشية في السنة. ولكن بعد إصابة العمود الفقري في عام 1984، انخفضت الأرقام بشكل كبير.

«مازلت أواصل الرسم؛ أرسم لوحات في رأسي. “لدي الآن طاقة محدودة أحتاج إلى الحفاظ عليها ولا أستطيع إهدارها في وضع الطلاء على القماش،” قال ذات مرة لصاحب المعرض الفني داديبا بوندولي.

مع نمو مكانة جايتوند كفنان، أصبحت لوحاته أقل وأكثر ندرة، وكل ذلك أضاف إلى السحر والغموض المحيط بعمله.

وربما يكون هذا أيضًا أحد الأسباب التي جعلت لوحاته تحظى بمثل هذه الأسعار المرتفعة حتى اليوم.

عندما توفي جايتوند في عام 2001 عن عمر يناهز 77 عامًا، لم يتم الإبلاغ عن وفاته على نطاق واسع حيث عاش الفنان سنواته الأخيرة في الغموض.

لكن لوحاته المثيرة للتفكير استمرت في إحداث موجات في جميع أنحاء العالم.

قالت كارا مانيس، وهي أمينة مشاركة في متحف الفن الحديث، ذات مرة إن أعمال جايتوند كانت تجسيدًا لما قد يبدو عليه الصمت. “ومع ذلك، هناك تأثير متلألئ معين ينبثق من هذا الصمت الذي يتم وضعه بعد ذلك في مواجهة هذه العلامات القوية جدًا، والتطبيق الحازم للألوان.”

ومع ذلك، بالنسبة للفنان، ظل الفن شكلاً شخصيًا عميقًا للتعبير عن الذات.

وكان يقول في كثير من الأحيان: “أترك الألوان تتدفق وأراقب. تلك هي لوحتي.”